Caterina Ruggeri vive e lavora tra Como e La Punt. Si dedica alla pittura e contemporaneamente alla creatività nel settore tessile che le permette di viaggiare sperimentando i colori. Il fascino e la frequentazione dell’Oriente contribuiscono a formare la sua padronanza del colore, e a definire il gusto per l’uso naturale delle scansioni cromatiche. L’approccio alla pittura avviene con tele molto materiche in cui è un succedersi fitto di spatolate dove emerge l’attrazione per la luce, con sprazzi che si aprono e danno profondità all’immagine.
Le dense spatolate stese per sovrapposizione, il rapporto terragno con la materia, la forza del segno che carica la tela di energia evocano la pittura materica e di luce di Ennio Morlotti, artista vicino per origine geografica e sensibilità. Vicinanza che si estende alle atmosfere rarefatte da naturalismo lombardo dei suoi primi paesaggi. I paesaggi dell’artista sono visioni in cui la materia è usata in modo atmosferico, il colore è più rarefatto e prevale in funzione emozionale. Il tema alluso è l’orizzonte aperto - il mare, il lago, i profili di montagne in lontananza -, ma non è mai il paesaggio il protagonista. Esso è solo il pretesto da cui partire per dare voce al proprio io. I soggetti sono paesaggi ideali da cui la pittrice si allontana e non riesce ad attenersi. L’orizzonte evocato, leggibile negli spessori della materia, offre la possibilità di andare oltre. L’opera di Ruggeri è un’appassionata trascrizione dei suoi stati d’animo, una cronaca in diretta del suo sentire, che ha la forza dell’immediatezza. Nelle opere successive, tavole su cui la pittrice interviene con acrilici e colori industriali, si affina la natura più profonda dell’artista che combina la necessità di esternare lo stato emotivo con una modalità volitiva del fare, la forza del segno, la gestualità. Torna protagonista la materia, con spatolate cariche di molteplici strati di colore che registrano ogni singola variazione del sentimento. Il soggetto naturalistico diviene sempre meno riconoscibile, è evanescente. Si vira verso un’attitudine più informale.
La forma si smaterializza nella vibrazione della luce che si accende, esplode in bagliori. E’ nei lavori più recenti, di grandi dimensioni, che si compie la sintesi tra l’attrazione fisica per il colore e la tensione drammatica. Lasciata la tavola, l’artista utilizza nuovi supporti, seguendo la vocazione alla sperimentazione. Usa l’alluminio, naturale e trattato corten, poi interviene personalmente e lo graffia. Anche il supporto deve tradire il segno del suo sentire, non può rimanere estraneo. La pittura, a olio, diventa più fluida, levigata e i colori più brillanti. Lo spazio viene strutturato, costruito in direzione di un’astrazione geometrica, sempre legata a una profonda emozione privata. La nuova spazialità e la diversa intuizione della luce testimoniano la vitalità della ricerca. Ciò che non cambia è il modo di procedere. Il lavoro avanza agguerrito per stesure, ripensamenti, abbandoni e ritorni. E’ la summa di giornate, gioie, delusioni, cancellazioni, cambi di direzione. Le spatolate si moltiplicano, si intrecciano, si annullano, feriscono la lastra.
Sono espressione del temperamento dell’artista. E’ un lavoro appassionato, ma sapiente quello di Ruggeri, che ricorda il modo di procedere per stratificazioni successive dei maestri del passato, ma interpreta la contemporaneità nell’ambizione di pensare solo al quadro e non più alla sua funzione di rappresentazione.

Elisabetta Mossinelli
Critica Espresso


Di solito pensiamo all’orizzonte come a una linea: e se invece fosse un colore? Se lo fosse, risulterebbe una zona pulsante e indefinita invece che una riga più o meno netta, non designerebbe il confine tra terra, acqua e cielo ma sarebbe anzi la loro area di fusione, si espanderebbe tanto in orizzontale almeno quanto in verticale, come avviene nei dipinti più recenti di Caterina Ruggeri.
Questo capovolgimento di uno dei più consolidati parametri visivi, nella pittura di Caterina, è stato attuato gradualmente, per passaggi successivi. Prima è stato necessario affrancarsi dalla geometria, dalla tentazione di strutturare l’immagine in zone rettangolari. Poi è diventato basilare concentrarsi sulla linea che suddivide l’immagine, per far sì che la ripartizione fosse sempre meno nitida, e che le linee anzi si moltiplicassero, ma diventassero segni, graffi, e fossero quindi sempre meno regolari e sempre più espressive. Quindi l’essenziale si è rivelato far dialogare le diverse parti del dipinto, creare una tensione energetica, far percepire un’unità di fondo tra i diversi elementi. La mostra nella sala del Broletto racconta questo percorso con i suoi inevitabili ripensamenti, le sue oscillazioni tra diverse soluzioni formali, ma mette soprattutto in luce la determinazione con cui è stato condotto. Dietro ogni dipinto si intravede un fine, un obiettivo non esplicitato ma presente, che resta come sospeso sul fondo. E in ogni opera si percepisce anche una narrazione abbozzata, che volutamente si concentra sulle premesse, sugli antefatti: si intuisce però che, se qualcosa accadesse, si tratterebbe di vicende intime, di una partecipazione al mistero della natura che si compie attraverso l’evocazione di acquitrini, montagne che si sfaldano, vapori che si condensano. Eppure il lirismo, che in queste opere è molto, non è affatto tutto. Il colore steso e modellato con le mani, la compattezza del supporto metallico, la matericità complessiva dell’immagine suggeriscono un senso di forza, quasi un surplus energetico.
Orizzonte d’altra parte è un termine che deriva dal verbo greco orìzo, che significa delimitare, ma anche imporre. La pittura di Caterina compie un ulteriore capovolgimento: si impone all’orizzonte e, in alcuni casi, gli sottrae anche dei colori.

Roberto Borghi
LA BOTTEGA DELL'ARTE
Galleria di Caterina Ruggeri in Via Odescalchi, 20 - Como.